SONIC MAPPING | Synasthesia by NG AbstRacT https://nadine-gillmaier.art/portfolio-category/sonic-mapping/ NG AbstRacT is fine abstract artwork presented by contemporary artist Nadine Gillmaier. She is turning music into abstract modern art. Sun, 19 Apr 2026 09:33:40 +0000 de hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.9.4 https://nadine-gillmaier.art/wp-content/uploads/2023/05/cropped-Logo_Klein_rgb-32x32.jpg SONIC MAPPING | Synasthesia by NG AbstRacT https://nadine-gillmaier.art/portfolio-category/sonic-mapping/ 32 32 HARDCORE TECHNICOLOR https://nadine-gillmaier.art/portfolio-item/hardcore-technicolor/ Sun, 19 Apr 2026 09:33:01 +0000 https://nadine-gillmaier.art/?post_type=portfolio-item&p=4937 TECHNIK: Mischtechnik und hochpigmentierte Fluoreszenz-Acrylfarben auf Leinwand 150 x 100 cm INSPIRATION: Electric Callboy – „We Got The Moves“ Das großformatige Werk „Hardcore Technicolor“ ist eine kompromisslose Untersuchung zur Dynamik und Vehemenz synästhetischer Übertragung. Es thematisiert die Kollision diametraler akustischer Welten – das Aufeinandertreffen von repetitiven Techno-Strukturen und der eruptiven Aggressivität des Metalcore. Diese Arbeit versteht es, diese auditive Reibung in eine visuelle Frequenz zu übersetzen, die den Betrachter unmittelbar physisch adressiert. Die farbliche Gestaltung nutzt eine hochfrequente Palette aus fluoreszierenden Neon-Pink- und Orange-Tönen. Diese bewusste Wahl einer „lauten“, beinahe Netzhaut-irritierenden Chromatik fungiert als visuelles Äquivalent eines Stroboskop-Effekts bei 160 BPM. Das Pink wird hierbei nicht als dekoratives Element, sondern als raumgreifender Signalwert eingesetzt, der die ekstatische Euphorie der Rave-Kultur und deren energetisches Potenzial materialisiert. Zentrales Element der Bildkomposition sind die vertikalen, schwarzen Rupturen, die die fluoreszierende Fläche gewaltvoll durchbrechen. Innerhalb der methodischen „Sonic Mapping“-Strategie repräsentieren diese Gesten den „Breakdown“ – jenen Moment innerhalb der Komposition, in dem die rhythmische Ordnung zugunsten einer rohen, metallischen Energie aufgehoben wird. Der Duktus ist geprägt von einer prozessualen Unmittelbarkeit: Die Farbe wurde gezerrt und verzerrt, um das Moment des „Motion Blur“ und die kinetische Entladung eines tanzenden Körpers festzuhalten. „Hardcore Technicolor“ versteht sich […]

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]]> TECHNIK: Mischtechnik und hochpigmentierte Fluoreszenz-Acrylfarben auf Leinwand 150 x
100 cm
INSPIRATION: Electric Callboy – „We Got The Moves“
Das großformatige Werk „Hardcore Technicolor“ ist eine kompromisslose Untersuchung zur
Dynamik und Vehemenz synästhetischer Übertragung. Es thematisiert die Kollision
diametraler akustischer Welten – das Aufeinandertreffen von repetitiven Techno-Strukturen
und der eruptiven Aggressivität des Metalcore. Diese Arbeit versteht es, diese auditive
Reibung in eine visuelle Frequenz zu übersetzen, die den Betrachter unmittelbar physisch
adressiert.
Die farbliche Gestaltung nutzt eine hochfrequente Palette aus fluoreszierenden Neon-Pink-
und Orange-Tönen. Diese bewusste Wahl einer „lauten“, beinahe Netzhaut-irritierenden
Chromatik fungiert als visuelles Äquivalent eines Stroboskop-Effekts bei 160 BPM. Das Pink
wird hierbei nicht als dekoratives Element, sondern als raumgreifender Signalwert
eingesetzt, der die ekstatische Euphorie der Rave-Kultur und deren energetisches Potenzial
materialisiert.
Zentrales Element der Bildkomposition sind die vertikalen, schwarzen Rupturen, die die
fluoreszierende Fläche gewaltvoll durchbrechen. Innerhalb der methodischen „Sonic
Mapping“-Strategie repräsentieren diese Gesten den „Breakdown“ – jenen Moment
innerhalb der Komposition, in dem die rhythmische Ordnung zugunsten einer rohen,
metallischen Energie aufgehoben wird.
Der Duktus ist geprägt von einer prozessualen Unmittelbarkeit: Die Farbe wurde gezerrt und
verzerrt, um das Moment des „Motion Blur“ und die kinetische Entladung eines tanzenden
Körpers festzuhalten. „Hardcore Technicolor“ versteht sich somit nicht als bloße
Repräsentation eines Musikstücks, sondern als eine in Materie gegossene energetische
Zustandsbeschreibung, die den Anspruch erhebt, über die visuelle Wahrnehmung hinaus das
menschliche Nervensystem direkt zu resonieren.

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]]> RUBICON https://nadine-gillmaier.art/portfolio-item/rubicon/ Sun, 19 Apr 2026 09:26:02 +0000 https://nadine-gillmaier.art/?post_type=portfolio-item&p=4936 TECHNIK: Mischtechnik, strukturierte Pigmentierung, Kupferimitat und Acryl auf Leinwand. 100x100cm INSPIRATION: Sabaton – „Crossing the Rubicon“ Das Werk „Rubicon“ ist eine phänomenologische Untersuchung innerhalb der Werkreihe „Sonic Mapping“. Ziel ist die Metamorphose auditiver Energie in eine physische, haptisch erfahrbare Topographie. Inspiriert durch die treibende Dynamik von Sabatons „Crossing the Rubicon“, visualisiert diese Arbeit die psychologische Gravität des „Point of No Return“ – jenes irreversiblen Moments der Entscheidung. Die Leinwand wird hierbei nicht als zweidimensionale Repräsentationsfläche begriffen, sondern als ein Terrain des Konflikts behandelt. Schwere, verkohlte Texturen in tiefem Schwarz bilden das rhythmische und historische Fundament des Werks. Sie repräsentieren die rhythmische Sektion des Musikstücks und die Last der historischen Konsequenz. Der Duktus ist hier bewusst archaisch und fordernd, um die Unausweichlichkeit des Vorhabens materiell zu sichern. Im spannungsgeladenen Kontrast dazu stehen eruptive Applikationen von Orange- und Kupfer-Nuancen. Diese metallisch wirkenden Akzente fungieren als visuelle Entsprechung der Hochtonfrequenzen und der durch den Entschluss freigesetzten kinetischen Energie. Das Werk fixiert eine „eingefrorene Explosion“: Es hält den exakten Augenblick fest, in dem potenzielle Energie in materielle Historie umschlägt. In der Tiefe der Schichtung schwingt die Erinnerung an eine einstige utopische Vision mit. „Rubicon“ dokumentiert somit nicht nur den Akt des Übergangs, sondern auch […]

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]]> TECHNIK: Mischtechnik, strukturierte Pigmentierung, Kupferimitat und Acryl auf Leinwand.
100x100cm
INSPIRATION: Sabaton – „Crossing the Rubicon“
Das Werk „Rubicon“ ist eine phänomenologische Untersuchung innerhalb der Werkreihe
„Sonic Mapping“. Ziel ist die Metamorphose auditiver Energie in eine physische, haptisch
erfahrbare Topographie. Inspiriert durch die treibende Dynamik von Sabatons „Crossing the
Rubicon“, visualisiert diese Arbeit die psychologische Gravität des „Point of No Return“ –
jenes irreversiblen Moments der Entscheidung.
Die Leinwand wird hierbei nicht als zweidimensionale Repräsentationsfläche begriffen,
sondern als ein Terrain des Konflikts behandelt. Schwere, verkohlte Texturen in tiefem
Schwarz bilden das rhythmische und historische Fundament des Werks. Sie repräsentieren
die rhythmische Sektion des Musikstücks und die Last der historischen Konsequenz. Der
Duktus ist hier bewusst archaisch und fordernd, um die Unausweichlichkeit des Vorhabens
materiell zu sichern.
Im spannungsgeladenen Kontrast dazu stehen eruptive Applikationen von Orange- und
Kupfer-Nuancen. Diese metallisch wirkenden Akzente fungieren als visuelle Entsprechung
der Hochtonfrequenzen und der durch den Entschluss freigesetzten kinetischen Energie. Das
Werk fixiert eine „eingefrorene Explosion“: Es hält den exakten Augenblick fest, in dem
potenzielle Energie in materielle Historie umschlägt.
In der Tiefe der Schichtung schwingt die Erinnerung an eine einstige utopische Vision mit.
„Rubicon“ dokumentiert somit nicht nur den Akt des Übergangs, sondern auch die
Transformation eines Ideals in die erbarmungslose Realität des Handelns. Es ist die
kartographische Sezierung eines daseinsverändernden Impulses.

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]]> VERTICAL SILENCE https://nadine-gillmaier.art/portfolio-item/vertical-silence/ Sun, 19 Apr 2026 09:23:00 +0000 https://nadine-gillmaier.art/?post_type=portfolio-item&p=4934 TECHNIK: Mischtechnik, Strukturpaste, Acryl, Blattgold (Imitationsgold) auf Leinwand 70 x 140 cm INSPIRATION Manchester Orchestra – „THE SILENCE“ Das Werk „Vertical Silence“ nutzt das vertikale Großformat als monolithisches Gefäß, das die gewaltige emotionale Steigerung des zugrundeliegenden Songs aufnimmt und materialisiert. In einer bewussten Abkehr von der Farbigkeit wird die Konzentration rein auf die strukturelle Beschaffenheit gelenkt. Die Oberfläche wurde unter Verwendung von schwerer Strukturpaste so aufgebaut, dass sie rissigem, erodiertem Beton gleicht. Diese Materialbeschaffenheit repräsentiert die Strophen des Songs: roh, offengelegt und scheinbar still, jedoch erfüllt von der Spannung des Unausgesprochenen. Hierbei kommt Strukturpaste in schwerem Auftrag zum Einsatz, die eine visuelle Resonanz der rohen, ungeschönten akustischen Gitarre erzeugt. Doch wer den Track kennt, kennt das Crescendo – jenen Moment, in dem die akustische Gitarre einer gewaltigen Klangwand weicht. Dies ist der Punkt der Interruption, visualisiert durch das Gold. Die zackige, metallische Gold-Horizontallinie, die gewaltvoll den vertikalen Fluss unterbricht, ist keinesfalls dekorativer Natur. Sie fungiert vielmehr als visuelles Äquivalent von Andy Hulls Stimme, die unter der Last des Klimaxes bricht. Die Applikation des Schlagmetalls erfolgte bewusst so, dass die Textur zerrissen und geologisch wirkt. Dies veranschaulicht den Durchbruch des Lärms durch das statische Rauschen der erodierten Struktur. Das Gemälde thematisiert […]

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]]> TECHNIK: Mischtechnik, Strukturpaste, Acryl, Blattgold (Imitationsgold) auf Leinwand 70 x
140 cm
INSPIRATION Manchester Orchestra – „THE SILENCE“
Das Werk „Vertical Silence“ nutzt das vertikale Großformat als monolithisches Gefäß, das die
gewaltige emotionale Steigerung des zugrundeliegenden Songs aufnimmt und materialisiert.
In einer bewussten Abkehr von der Farbigkeit wird die Konzentration rein auf die strukturelle
Beschaffenheit gelenkt.
Die Oberfläche wurde unter Verwendung von schwerer Strukturpaste so aufgebaut, dass sie
rissigem, erodiertem Beton gleicht. Diese Materialbeschaffenheit repräsentiert die Strophen
des Songs: roh, offengelegt und scheinbar still, jedoch erfüllt von der Spannung des
Unausgesprochenen. Hierbei kommt Strukturpaste in schwerem Auftrag zum Einsatz, die
eine visuelle Resonanz der rohen, ungeschönten akustischen Gitarre erzeugt.
Doch wer den Track kennt, kennt das Crescendo – jenen Moment, in dem die akustische
Gitarre einer gewaltigen Klangwand weicht. Dies ist der Punkt der Interruption, visualisiert
durch das Gold. Die zackige, metallische Gold-Horizontallinie, die gewaltvoll den vertikalen
Fluss unterbricht, ist keinesfalls dekorativer Natur. Sie fungiert vielmehr als visuelles
Äquivalent von Andy Hulls Stimme, die unter der Last des Klimaxes bricht.
Die Applikation des Schlagmetalls erfolgte bewusst so, dass die Textur zerrissen und
geologisch wirkt. Dies veranschaulicht den Durchbruch des Lärms durch das statische
Rauschen der erodierten Struktur. Das Gemälde thematisiert nicht lediglich die Stille als
Zustand, sondern fixiert den exakten Moment ihrer Zertrümmerung.

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]]> OXIDIZED MEMORY https://nadine-gillmaier.art/portfolio-item/oxidized-memory/ Sun, 19 Apr 2026 09:18:06 +0000 https://nadine-gillmaier.art/?post_type=portfolio-item&p=4932 TECHNIK: Mischtechnik, Pigmente, Acryl, Blattgold auf Leinwand. 100x100cm. INSPIRATION: Massive Attack – „Teardrop“ Das Werk „Oxidized Memory“ ist eine direkte architektonische und strukturelle Translation der auditiven Topographie des Massive-Attack-Klassikers „Teardrop“. Es unternimmt den synästhetischen Versuch, die Flüchtigkeit einer Melodie und die Schwere ihrer instrumentellen Begleitung in eine materielle, visuelle Realität zu überführen. Den Fundamentalkontext des Gemäldes bildet ein dichtes Geflecht aus tiefen, viszeralen Rottönen, die in zahlreichen, beinahe erstickenden Schichten aufgebaut wurden. Diese chromatische Schwere ist die visuelle Manifestation der ikonischen, hypnotischen Basslinie des Songs – eines Rhythmus, der an einen stetigen, unaufhaltsamen Herzschlag erinnert. Die Schichtungstechnik materialisiert die physische Masse und die Schwingungsfrequenz dieses akustischen Pulsschlags und erzeugt eine Raumtiefe, die den Betrachter akustisch einhüllt. Kontrastierend dazu schwebt eine geisterhafte, zerbrechliche Zone aus erodiertem Blattgold über der schweren Instrumentierung. Dies ist die Vokalspur. Das Gold, fragil und im Zustand der Auflösung, repräsentiert Elizabeth Frasers ätherische Stimme. Es erodiert in die darunterliegenden Rottöne, wie die Melodie in die Erinnerung verfällt. Die Oxidation des Goldes wird zur Metapher für den unaufhaltsamen Verfall einer flüchtigen Erfahrung und deren Transformation in ein bleibendes, aber zerfallendes materielles Archiv. Der Titel „Oxidized Memory“ verweist auf diesen forensischen Akt der Erinnerungssicherung: die Sezierung des auditiven Phänomens […]

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]]> TECHNIK: Mischtechnik, Pigmente, Acryl, Blattgold auf Leinwand. 100x100cm.
INSPIRATION: Massive Attack – „Teardrop“
Das Werk „Oxidized Memory“ ist eine direkte architektonische und strukturelle Translation
der auditiven Topographie des Massive-Attack-Klassikers „Teardrop“. Es unternimmt den
synästhetischen Versuch, die Flüchtigkeit einer Melodie und die Schwere ihrer
instrumentellen Begleitung in eine materielle, visuelle Realität zu überführen.
Den Fundamentalkontext des Gemäldes bildet ein dichtes Geflecht aus tiefen, viszeralen
Rottönen, die in zahlreichen, beinahe erstickenden Schichten aufgebaut wurden. Diese
chromatische Schwere ist die visuelle Manifestation der ikonischen, hypnotischen Basslinie
des Songs – eines Rhythmus, der an einen stetigen, unaufhaltsamen Herzschlag erinnert. Die
Schichtungstechnik materialisiert die physische Masse und die Schwingungsfrequenz dieses
akustischen Pulsschlags und erzeugt eine Raumtiefe, die den Betrachter akustisch einhüllt.
Kontrastierend dazu schwebt eine geisterhafte, zerbrechliche Zone aus erodiertem Blattgold
über der schweren Instrumentierung. Dies ist die Vokalspur. Das Gold, fragil und im Zustand
der Auflösung, repräsentiert Elizabeth Frasers ätherische Stimme. Es erodiert in die
darunterliegenden Rottöne, wie die Melodie in die Erinnerung verfällt. Die Oxidation des
Goldes wird zur Metapher für den unaufhaltsamen Verfall einer flüchtigen Erfahrung und
deren Transformation in ein bleibendes, aber zerfallendes materielles Archiv.
Der Titel „Oxidized Memory“ verweist auf diesen forensischen Akt der Erinnerungssicherung:
die Sezierung des auditiven Phänomens und dessen materielle Überführung. Das Werk ist
eine seismografische Aufzeichnung, die das Unsichtbare erfahrbar macht und die flüchtige
Resonanz des Klangs als materiellen Einspruch gegen die Vergänglichkeit festschreibt.

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]]> SYNTHETIC COLLISION https://nadine-gillmaier.art/portfolio-item/synthetic-collision/ Fri, 05 Dec 2025 16:44:42 +0000 https://nadine-gillmaier.art/?post_type=portfolio-item&p=4416 This piece is pure, synthetic adrenaline. VNV Nation’s anthem ‚Collide‘ is a massive track—it drives forward with relentless, industrial optimism. I needed to translate that kinetic energy onto the 100×100 canvas. The dominance of abyssal black negative space is crucial; it represents the deep, cavernous bass that underpins the track. Rising from this void are two mirrored structures representing the ‚two worlds‘ destined to crash, as mentioned in the lyrics. I used sharp, upward strokes with heavy structure paste to mimic the aggressive peaks of a digital audio waveform. The color palette is intentionally artificial. The shock of electric pink and the integrated metallic foil don’t just reflect light; they vibrate with the track’s futuristic synth melodies. But the most critical element of ‚Synthetic Collision‘ is the narrow gap in the absolute center. It isn’t emptiness. It is pure tension. It’s the intake of breath—the exact microsecond before the beat drops and the impact occurs.“Mixed Media on Canvas | 100x100cm | PRICE: 5.900,-

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]]> This piece is pure, synthetic adrenaline. VNV Nation’s anthem ‚Collide‘ is a massive track—it drives forward with relentless, industrial optimism. I needed to translate that kinetic energy onto the 100×100 canvas.

The dominance of abyssal black negative space is crucial; it represents the deep, cavernous bass that underpins the track. Rising from this void are two mirrored structures representing the ‚two worlds‘ destined to crash, as mentioned in the lyrics. I used sharp, upward strokes with heavy structure paste to mimic the aggressive peaks of a digital audio waveform.

The color palette is intentionally artificial. The shock of electric pink and the integrated metallic foil don’t just reflect light; they vibrate with the track’s futuristic synth melodies. But the most critical element of ‚Synthetic Collision‘ is the narrow gap in the absolute center. It isn’t emptiness. It is pure tension. It’s the intake of breath—the exact microsecond before the beat drops and the impact occurs.“Mixed Media on Canvas | 100x100cm | PRICE: 5.900,-

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]]> Money Game pt. 2 https://nadine-gillmaier.art/portfolio-item/money-game-pt-2/ Fri, 14 Nov 2025 10:52:20 +0000 https://nadine-gillmaier.art/?post_type=portfolio-item&p=4415 My large-scale, mixed-media painting, a profound interpretation of Ren’s epochal „Money Game Part 2,“ transcends mere visual accompaniment to the music; it is a haptic requiem for greed and its inevitable collapse. In this work, I deliberately retreated from the world’s abundance of color, opting instead for a rigorous palette of greys, whites, and gold. This reduction serves as a metaphorical lens: gold represents the alluring yet ultimately sterile fascination with capital, while grey and white signify the emptiness, decay, and entropy inherent within the system. The composition centers around a stark, paradoxical core in the right-middle section of the canvas: delicate, white seashells are collaged here. They serve as an archaic reference to the origins of trade, playfully echoing the historical metaphor of commodity exchange („She sells seashells on the seashore“). Yet, this supposed source of wealth is contaminated: from this shell-laden partition, shredded, blood-stained banknotes erupt, violently expelled into the pictorial space with the destructive force of an overloaded cash machine. This is the moment of the breaking point, where the materiality of wealth confronts the brutality of the system. From this corrupted nexus, the painting’s dynamic unfolds. Powerful, grey and white wave-like or cloud-like structures, executed in […]

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]]> My large-scale, mixed-media painting, a profound interpretation of Ren’s epochal „Money Game Part 2,“ transcends mere visual accompaniment to the music; it is a haptic requiem for greed and its inevitable collapse. In this work, I deliberately retreated from the world’s abundance of color, opting instead for a rigorous palette of greys, whites, and gold. This reduction serves as a metaphorical lens: gold represents the alluring yet ultimately sterile fascination with capital, while grey and white signify the emptiness, decay, and entropy inherent within the system.

The composition centers around a stark, paradoxical core in the right-middle section of the canvas: delicate, white seashells are collaged here. They serve as an archaic reference to the origins of trade, playfully echoing the historical metaphor of commodity exchange („She sells seashells on the seashore“). Yet, this supposed source of wealth is contaminated: from this shell-laden partition, shredded, blood-stained banknotes erupt, violently expelled into the pictorial space with the destructive force of an overloaded cash machine. This is the moment of the breaking point, where the materiality of wealth confronts the brutality of the system.

From this corrupted nexus, the painting’s dynamic unfolds. Powerful, grey and white wave-like or cloud-like structures, executed in fluid acrylic techniques, describe a dramatic arc. They sweep in from the left, initially ascending before inexorably curving downwards into the lower-left corner of the canvas. This movement is the work’s compositional statement: it embodies the downward spiral, the inescapable descent that follows every act of insatiable accumulation. The chaos of greed leads inevitably to bankruptcy, an aesthetic portrayal of systemic collapse.

The deeper conceptual layer reveals itself to the viewer only upon closer inspection. Integrated into the white and grey surfaces are specific lyrical passages from the song, rendered in UV-reactive paint. This layer remains hidden under normal exhibition conditions. Only those who possess the „key“—the willingness to shift perspective and develop the foresight to grasp the true nature of the „Money Game“—can unlock the hidden message. The viewer is thus actively engaged in the process of decryption, compelled to activate the light of understanding themselves to perceive the truth beneath the surface.

„Money Game pt 2“ is an immersive meditation on the duality of promise and peril. It contrasts the pure, almost meditative abstraction of color and form with the shocking reality of corruption and decay, establishing itself as a poignant commentary on society’s toxic relationship with capital. It is an invitation to discern the hidden rules of the game before the spiral becomes irreversible.

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]]> Kabelmann 1 & Die Abschaffung des Todes https://nadine-gillmaier.art/portfolio-item/kabelmann-1-die-abschaffung-des-todes/ Tue, 07 Jan 2025 19:22:42 +0000 https://nadine-gillmaier.art/?post_type=portfolio-item&p=4405 For me, music, emotion and color is one true synesthetic entity. I hear colors and feel music. That is why I urge to make music visible and turn my vision and feelings into colors and structures on canvas. My medium is acrylic colors situational combined with objects. I invite viewers to dive into my synesthectical sensations and experience my feelings, emotions and thoughts.     This time I combined my synesthetical sensations of the great songs of Paul Kalkbrenner Kabelmann 1, with the emotions I had during reading the book “Die Abschaffung Des Todes” (Andreas Eschbach).     Both themes, the feelings the book gave me, as well as the emotions and visions I had in mind with the Song “ Kabelmann 1&2” matched when I closed my eyes and envisioned the concept. My first creative step is intuitive and driven by my emotions while listening to the sound. The music guides me, almost like a dance on canvas. Consecutively I step one step back and condense all thoughts that arise during the end of the previous part. In this phase, I plan details and choose symbols and objects (like the pipes, the glass eye and the LED strips) that […]

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]]> For me, music, emotion and color is one true synesthetic entity. I hear colors and feel music. That is why I urge to
make music visible and turn my vision and feelings into colors and structures on canvas.
My medium is acrylic colors situational combined with objects.
I invite viewers to dive into my synesthectical sensations and experience my feelings, emotions and thoughts.

 

 

This time I combined my synesthetical sensations of the great songs of Paul Kalkbrenner Kabelmann 1, with the emotions I had during reading the
book “Die Abschaffung Des Todes” (Andreas Eschbach).

 

 

Both themes, the feelings the book gave me, as well as the emotions and visions I had in mind with the Song “ Kabelmann 1&2” matched when I closed my eyes and envisioned the concept.
My first creative step is intuitive and driven by my emotions while listening to the sound. The music guides me, almost like a dance on canvas.
Consecutively I step one step back and condense all thoughts that arise during the end of the previous part. In this phase, I plan details and choose symbols and objects (like the pipes, the glass eye and the LED strips) that express my rational side.

The dark atmosphere from the song as well as the topic of the book is brought to light with black and deep red colors.
Twisted pipes that seem to penetrate the canvas leave a disturbing feeling behind.

 

One can sense a hidden layer behind the canvas that could lay in a
digital unrevealed world.

Is this undisclosed world a good one and worth to explore?
Will we ever find out?
Do we even dare?

 

 

 

Listen to the song Kabelmann 1 on youtube here.

 

 

Mixed Media on Canvas | 100 x 150cm | 2024

 

 

Materials: Acrylic Colors, Construction Foam, LED strips, Pipes, Hot glue.
Can be illuminated with electric power.

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]]> Kabelmann 2 & Die Abschaffung des Todes https://nadine-gillmaier.art/portfolio-item/kabelmann-die-abschaffung-des-todes-ii/ Sun, 05 Jan 2025 11:09:37 +0000 https://nadine-gillmaier.art/?post_type=portfolio-item&p=4401 For me, music, emotion and color is one true synesthetic entity. I hear colors and feel music. That is why I urge to make music visible and turn my vision and feelings into colors and structures on canvas. My medium is acrylic colors situational combined with objects. I invite viewers to dive into my synesthectical sensations and experience my feelings, emotions and thoughts.   This time I combined my synesthetical sensations of the great songs of Paul Kalkbrenner Kabelmann 2 , with the emotions I had during reading the book “Die Abschaffung Des Todes” (Andreas Eschbach).   Both themes, the feelings the book gave me, as well as the emotions and visions I had in mind with the Song “ Kabelmann 1&2” matched when I closed my eyes and envisioned the concept. My first creative step is intuitive and driven by my emotions while listening to the sound. The music guides me, almost like a dance on canvas. Consecutively I step one step back and condense all thoughts that arise during the end of the previous part. In this phase, I plan details and choose symbols and objects (like the pipes, the glass eye and the LED strips) that express […]

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]]> For me, music, emotion and color is one true synesthetic entity. I hear colors and feel music. That is why I urge to
make music visible and turn my vision and feelings into colors and structures on canvas.
My medium is acrylic colors situational combined with objects.
I invite viewers to dive into my synesthectical sensations and experience my feelings, emotions and thoughts.

 

This time I combined my synesthetical sensations of the great songs of Paul Kalkbrenner Kabelmann 2 , with the emotions I had during reading the
book “Die Abschaffung Des Todes” (Andreas Eschbach).

 

Both themes, the feelings the book gave me, as well as the emotions and visions I had in mind with the Song “ Kabelmann 1&2” matched when I closed my eyes and envisioned the concept.
My first creative step is intuitive and driven by my emotions while listening to the sound. The music guides me, almost like a dance on canvas.
Consecutively I step one step back and condense all thoughts that arise during the end of the previous part. In this phase, I plan details and choose symbols and objects (like the pipes, the glass eye and the LED strips) that express my rational side.

The dark atmosphere from the song as well as the topic of the book is brought to light with black and deep red colors.
Twisted pipes that seem to penetrate the canvas leave a disturbing feeling behind.

 

One can sense a hidden layer behind the canvas that could lay in a
digital unrevealed world.
Is this undisclosed world a good one and worth to explore?
Will we ever find out?
Do we even dare?

 

Listen to the Song Kabelmann 2 on youtube here.

 

 

Mixed Media on Canvas | 50x50cm | 2024

 

Materials: Acrylic Colors, Construction Foam, LED strips, Pipes, Illuminated Glass Eye, Glow in the dark Colors, Hot glue, Cable
Can be illuminated with electric power.

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]]> Glitter and Gold https://nadine-gillmaier.art/portfolio-item/glitter-and-gold/ Mon, 20 May 2024 10:16:08 +0000 https://nadine-gillmaier.art/?post_type=portfolio-item&p=4314 The Resilient Glimmer: Channeling the Primal Energy of „Glitter and Gold“ My large-scale, mixed-media work on canvas is not a mere illustration of Barns Courtney’s „Glitter and Gold“; rather, it serves as a direct synesthetic transmission of the physical and emotional energy experienced while listening. The painting is a visual echo of the track: an explosive conflict between the gravitational weight of being and the untamed urge toward self-elevation. The palette is deliberately constrained to a dramatic minimum: Black and Gold with subtle shimmering accents. The Black—applied in thick, gestural layers of acrylic—forms the foundation, symbolizing the ungrounded, the primal, the earthbound. It is the shadow, the inherent gravity, the foundational matter of existence that attempts to hold us down. Yet, this profound darkness is ruptured by an insurgent energy. True to the song’s mantra, „I am flesh and I am bone, rise up, ting ting, like glitter and gold, I’ve got fire in my soul,“ the surface is violently broken open through the application of gold leaf and black metal foil. The gold leaf is not smoothly applied; it aggressively fragments, tearing through the surrounding blackness in fine, intricate structures. These golden veins are not decorative; they are visual […]

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]]> The Resilient Glimmer: Channeling the Primal Energy of „Glitter and Gold“

My large-scale, mixed-media work on canvas is not a mere illustration of Barns Courtney’s „Glitter and Gold“; rather, it serves as a direct synesthetic transmission of the physical and emotional energy experienced while listening. The painting is a visual echo of the track: an explosive conflict between the gravitational weight of being and the untamed urge toward self-elevation.

The palette is deliberately constrained to a dramatic minimum: Black and Gold with subtle shimmering accents. The Black—applied in thick, gestural layers of acrylic—forms the foundation, symbolizing the ungrounded, the primal, the earthbound. It is the shadow, the inherent gravity, the foundational matter of existence that attempts to hold us down.

Yet, this profound darkness is ruptured by an insurgent energy. True to the song’s mantra, „I am flesh and I am bone, rise up, ting ting, like glitter and gold, I’ve got fire in my soul,“ the surface is violently broken open through the application of gold leaf and black metal foil. The gold leaf is not smoothly applied; it aggressively fragments, tearing through the surrounding blackness in fine, intricate structures. These golden veins are not decorative; they are visual shockwaves—representing the „fire in the soul,“ the rebellious, indestructible inner glow that fights to free itself from the dark.

The black metal foil introduces another layer of complexity. It reflects light differently depending on the viewer’s angle, generating a dynamic shimmer and lending the surface a tactile density. This material quality signifies the human “flesh and bone”—a material yet resilient casing that contains both inner turmoil and formidable strength.

The work compels the viewer to embrace duality: one must acknowledge the darkness and weight of the foundation to fully appreciate the beauty and power of the gold-laced resurgence. It is an act of artistic alchemy, where the simple matter (Black) is transformed into something resilient and radiant by the will and energy of the spirit (Gold). The painting, therefore, stands as an affirmation: true strength is manifested not in the absence of darkness, but in the unwavering ability to illuminate within it.

 

Listen to the song on youtube here.

 

 

Mixed Media on Canvas | Gold Leaf elements in gold and black, Structure Paste, Gold Glitter Particles | 100x100cm

 

PRICE: 6.900 €

 

 

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]]> Baby Did a Bad Bad Thing https://nadine-gillmaier.art/portfolio-item/baby-did-a-bad-bad-thing/ Fri, 27 Oct 2023 13:49:00 +0000 https://nadine-gillmaier.art/?post_type=portfolio-item&p=4171 Inspired by the song „Baby did a bad bad thing“ by Chris Isaak. Feel the daring red tension while looking at this piece of artwork. Almost like seeing and feeling the songs mood and the movie’s emotion of Eyes Wide Shut. Mixed Media | Acryl | Red Pigment | Red/Gold Leaf Elements | on Canvas. 100x150cm.   PRICE: 8.900,-

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]]> Inspired by the song „Baby did a bad bad thing“ by Chris Isaak.

Feel the daring red tension while looking at this piece of artwork. Almost like seeing and feeling the songs mood and the movie’s emotion of Eyes Wide Shut.

Mixed Media | Acryl | Red Pigment | Red/Gold Leaf Elements | on Canvas. 100x150cm.

 

PRICE: 8.900,-

Der Beitrag Baby Did a Bad Bad Thing erschien zuerst auf NG-Art.

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